"Портретная живовопись в России VXIII - начала XX века"

Выставочный центр «Эрмитаж-Выборг» открывает новую выставку «Портретная живопись в России XVIII- начала XX века» из собрания Государственного Эрмитажа. 

На выставке в Выборге из 75 представленных живописных полотен, впервые экспонируются 36 картин, отреставрированных за последние десять лет и некоторые из них – с новыми результатами исследования. Отбор картин на выставку был обусловлен не только желанием показать новые атрибуции и отреставрированные в последние годы картины, но и необходимостью напомнить о замечательных произведениях, ставших уже визитной карточкой Эрмитажа. Известные полотна, помещенные среди впервые выставленных и неизвестных ранее, приобретают новую жизнь.

 Выставка будет открыта для посетителей с 29 апреля по 11 октября 2018 г.


Выставка "Фламандское искусство XVII века"

Фламандское искусство XVII века

На выставке, посвященной фламандскому искусству, представлены картины, скульптуры, изделия прикладного искусства и художественное оружие. Главным центром фламандского искусства  в XVII столетии являлся Антверпен.  Здесь жил Рубенс – «Апеллес нашего века», как его величали современники, мастер, чьё имя стало синонимом фламандского искусства XVII века. Творчество Рубенса наложило отпечаток на всю художественную культуру Фландрии XVII века. Хотя сам художник работал главным образом как  живописец, в орбиту его влияния были втянуты почти все виды изобразительных искусств – репродукционная гравюра, эстамп, искусство оформления книги, скульптура, различные отрасли художественного ремесла и даже архитектура. Эти виды художественной деятельности отчасти сосредоточились и в его антверпенской мастерской, превратившейся, по справедливому отзыву современника, в «своеобразную академию, где можно было достичь вершин искусства». Не случайно из мастерской Рубенса вышли или были с нею так или иначе связаны все крупные живописцы, а также многие известные граверы, скульпторы и мастера прикладного искусства Фландрии XVII века.  

Рубенс представлен на  выставке небольшой «кабинетной» картиной – «Уход Агари из дома Авраама». «Кабинетными» в XVII веке фламандцы именовали картины небольшого и среднего размера, создаваемые, в отличие от монументальных произведений, не для конкретного помещения и места, а, большей частью, для открытого рынка и служившие украшением «кабинетов».   Так называли в те времена  частные коллекции всевозможных редкостей, раритетов, диковинных вещей – от самых причудливых и необычных созданий  природы до дорогих изделий художественного ремесла и произведений изобразительного искусства.  Подобные «кабинеты», или, как их еще называли, «кунсткамеры», явились прообразами будущих картинных галерей в странах Западной Европы. В    XVII столетия  особенно много таких «кунсткамер» было  в Антверпене, где, по словам Рубенса, жило «великое множество» любителей живописи.

Преимущественно «кабинетные» картины и представлены на выставке. Антиверпенские живописцы, специализировавшиеся в области крупнофигурной сюжетной композиции (а к ним, в первую очередь,  принадлежал Рубенс и  художники из  его окружения, а также фламандские последователи Караваджо), нередко писали картины «кабинетного» формата, исполненные маслом на дереве или меди, реже на холсте (в первой половине XVII  века). Наиболее известные, крупные, мастера обращались к «кабинетной» живописи тем охотнее, чем больше появлялось среди заказчиков подлинных любителей-знатоков искусства, ценивших в картине не столько занимательность сюжета, сколько индивидуальность живописной манеры художника и виртуозность исполнения.

Кроме «Ухода Агари» Рубенса, другим превосходным образцом «кабинетной» живописи и одним из бесспорных шедевров выставки является   «Апостол Пётр», ранняя работа Антониса Ван Дейка, исполненная молодым художником, вероятно, в самом начале его пребывания в мастерской Рубенса, который  считал юного живописца «лучшим своим учеником». 

Жанровый диапазон «кабинетной живописи был велик. «Кабинеты» коллекционеров украшали картины на библейские, евангельские, аллегорические, мифологические и жанровые сюжеты, а также пейзажи, портреты, анималистические картины и натюрморты. В состав выставки включены образцы всех перечисленных жанров живописи. Нет только портретов. Правда, «Апостол Петр» Ван Дейка представляет собой изображение конкретного лица – Абрахама Графеуса, служителя антверпенской гильдии св. Луки,  который позировал многим антверпенским художникам.

В Антверпене XVII  века работало немало художников, посвятивших себя исключительно области «кабинетной» живописи. Они писали обычно яркие по краскам картины, с мелкими фигурами, имеющие «кабинетный» формат, и  работали как по заказам любителей искусства, так и для открытого рынка. Среди  мастеров «кабинетной» живописи на настоящей выставке  представлены: Луис де Колери , Франс Франкен II, Иероним Янсенс, Давид Рейкарт III,  Даниель Сегерс, Ян Брейгель Старший  и его внук Ян ван Кессель Старший, наконец, Давид Тенирс Младший.  Из всех названных живописцев только двое – Ян Брейгель Старший и Давид Тенирс Младший   –  снискали международную известность при жизни.

Ян Брейгель Старший был прирожденным мастером «кабинетной» живописи  по удивлявшему современников и граничащему с чудом мастерству передачи мельчайших деталей изображаемых предметов. Его картины воистину были подобны драгоценным ювелирным вещам.  Младший сын гениального Питера Брейгеля Мужицкого (1525/30—1569), Ян вошел в историю искусства под прозвищем «Бархатный», ставшим своеобразной оценкой его живописи.  Данное Яну за его пристрастие к ношению дорогой одежды, это прозвище закрепилось за художником еще и по причине особых свойств его живописи. Ведь только его картинам свойственно  ощущение нежной «бархатистости» живописной поверхности, которой Ян добивался виртуозным соединением разнообразных, тонко сопоставленных, звучных тонов в сияющую красочную гармонию. Брейгель Бархатный поражал  современников  широтой тематики своего искусства.  А, за исключением портретного, Брейгель работал во всех жанрах  «кабинетной» живописи. Данная выставка позволяет увидеть один из лучших его пейзажей, подлинный шедевр  «кабинетного» искусства – «Лесной пейзаж со сценой Отдыха Святого  Семейства на пути в Египет».

В историю живописи Ян Брейгель вошел и как Брейгель Цветочный. Именно он явился зачинателем цветочного натюрморта во фламандской живописи XVII  века, и во многом именно благодаря его искусству эта поэтическая разновидность натюрморта достигла в XVII  веке значительных высот и популярности. На выставке эта разновидность натюрморта представлена работой ученика Брейгеля Бархатного,  Даниеля Сегерса, одного из ведущих мастеров цветочного жанра.  «Гирлянда цветов вокруг  изображений  Младенцев Христа и Иоанна» была исполнена Сегарсом в сотрудничестве с живописцем фигур Томасом Виллебойртсом Боссхартом. А практика одновременного сотрудничества нескольких художников разных специальностей в исполнении одного произведения, пожалуй,  не была свойственна ни одной другой живописной школе   XVII  века в такой мере, как фламандской.  Рубенс, например, создавая свои картины, прибегал к помощи не только непосредственных учеников и подмастерьев, но и разного рода специалистов-сотрудников, являвшихся вполне самостоятельными художниками. На данной выставке представлены работы двух таких художников, сотрудничавших с Рубенсом,  –  Яна Брейгеля Бархатного  и Яна Вильденса. Правда, если Брейгель Бархатный был представителем исключительно  «кабинетной» живописи, то Ян Вильденс был мастером большого декоративного пейзажа. Декоративный пейзаж во фламандской живописи  XVII  века вообще получил преимущественное развитие. Особенно славились художники брюссельской школы, развивавшие жанр лесного пейзажа, видным мастером которого был Лодевейк де Ваддер.

Представлен на выставке и образец раннего пейзажа, еще тесно связанного с традициями искусства предшествующего века,   –   картина «Морской порт»  Пауля Бриля, художника, работавшего на рубеже эпох, XVI и XVII столетий, одного из крупных европейских пейзажистов, творческое наследие которого принадлежит в равной степени фламандской и итальянской школам живописи, поскольку молодым человеком он покинул родной Антверпен и обосновался в Риме, где оставался до конца своих дней.


Выставка "Птицы богов Олимпа"

«Птицы богов Олимпа. Прикладное искусство  ХVI – ХIХ вв. из собрания Эрмитажа»

     Представленная вниманию зрителей выставка демонстрирует памятники прикладного искусства из собрания Эрмитажа, объединенных  идеей воплощения  сюжетов, связанных с птицами и богами Олимпа. Орел, павлин, голубь, лебедь, сова и петух сопровождают Юпитера, Юнону, Венеру, Аполлона, Меркурия и Марса. Орел  Юпитера олицетворял силу и власть, павлин Юноны – величие и царственность. Мудрая сова  была посвящена Минерве. Воинственный петух  сопровождал бога войны Марса. Лебеди и голуби, воплощающие красоту и любовь, были связаны с Венерой и Аполлоном.  Птицы выступают в разных ролях: как основной атрибут богов или даже воплощение самого бога (Юпитер), как  их вестник и просто, как декоративный мотив, полюбившийся мастерам художественного ремесла или заказчикам, но имеющий символический смысл в своем изображении.

     На протяжении веков интерес к теме менялся в зависимости от идеалов времени: в ХУП в. и Х1Х в. больше были востребованы сюжеты, связанные с апофеозами, где орел выступал вестником победы, прославления силы и власти. В ХУШ в. отдавали предпочтение теме любви, которая воплощалась в изображении лебедя и голубя. В эпоху Возрождения  птиц богов Олимпа можно было увидеть в глиптике, эмалях, ювелирных изделиях, майолике, художественном текстиле. В ХVII в., в период барокко, «зазвучали» серебро, слоновая кость, шпалеры, вышивки. В ХVIII столетии, эпоху рококо и классицизма присоединились новые материалы: фарфор, кружево. А ХIХ век во времена ампира помимо всех перечисленных «добавил» бронзу и мебель.

     Европейские мастера прикладного искусства для своего вдохновения обращались к разнообразным источникам. Это были живопись  и гравюры, коллекции антиков (резных камней, монет, мелкой пластики) и произведения художников-орнаменталистов, наследие античных авторов ( «Метаморфозы» Овидия,  Гесиода «Происхождение богов» («Теогония»), Геродота и других, а также сочинения писателей эпохи Ренессанса Виченце Картари и Чезаре Рипа. Опираясь на такое богатое наследие прошлого, особенно в области иконографии, художники создавали разные версии композиций со священными птицами. С одной стороны, они, продолжая традицию, использовали устоявшиеся еще с античности композиционные схемы. С другой стороны, мастера, проявляя свою фантазию и учитывая веяния времени, предлагали новые варианты в трактовке сюжетов. Они были свойственны больше  европейской манере,  отвечали запросам эпохи, удачно вписываясь в ее стилистические рамки. Мастера прикладного искусства любили также  использовать изображения   птиц как декоративный мотив. Помимо создания образа священных птиц их привлекала возможность выявить и подчеркнуть характерные особенности того или другого материала. Полированная поверхность металла давала блеск, перламутр – радужное сияние, драгоценные камни искрились, шелковые нити создавали  переливы на поверхности ткани, фарфор отличался белизной глазури или яркостью полихромной росписи.

     На выставке можно увидеть часы и канделябры, предметы из сервизов и настольных украшений, шпалеры, мебель и обивки, веера и   табакерки, записные книжки, броши, флакончики для духов. Анонимные произведения  соседствуют с выполненными известными мастерами (бронза работы П. Томира, фарфор по моделям А. Кендлера). Представлены знаменитые центры производства фарфора (Мейсен, Севр), эмалей (Лимож), изделий из серебра (Нюрнберг и Аугсбург), шпалер (Гобеленовая мануфактура, Париж), кружев ( Аржантан). Некоторые из экспонатов выставки связаны с именами царственных особ: серебряное блюдо, принадлежавшее Петру 1, предметы, которые входили в знаменитый сервиз с камеями Екатерины II, тросточка императрицы, шпалера с портретом Александра I, подаренная русскому императору, серебряная подставка  из сервиза, подаренная внучке Павла 1 к свадьбе. Представленные на выставке экспонаты имеют разные источники поступления в Эрмитаж. Серебро и фарфор - из Зимнего дворца, куда они попали  как подарки русским императорам и членам семьи или как заказы. Изделия ювелирного искусства - из Галереи драгоценностей Эрмитажа. Некоторые произведения происходят из собраний петербургской знати: Строгоновых, Юсуповых, Шереметевых,  Шуваловых, Нарышкиных.  Значительная часть вещей поступила из коллекций русских собирателей, которые, начиная с ХIХ в. целенаправленно собирали памятники прикладного искусства (А. П. Базилевский, М. П. Боткин, А. К. Рудановский и др.). много предметов пополнило коллекции Эрмитажа после 1917 г. Они пришли  из бывшего музея барона Штиглица в Петербурге, предназначенного  начиная с 1880-х гг. для обучения будущих дизайнеров.

     Все произведения отличаются высоким художественным вкусом, прекрасным мастерством исполнения, разнообразием и фантазией в трактовке  священных птиц. Многие из птиц пронесли свою символику сквозь века до нашего времени. 2017 год совпал с  годом  петуха, птицы бога Марса. Тем более интересно, что именно в этот год Эрмитаж может предложить зрителям выставку, связанную с птицами богов Олимпа.

Посмотреть виртуальный тур по выставке «Птицы богов Олимпа. Прикладное искусство  ХVI – ХIХ вв. из собрания Эрмитажа»


«России слава незабвенна… Отечественная война 1812 года»

Гроза двенадцатого года

Настала — кто тут нам помог?

Остервенение народа,

Барклай, зима иль русский бог?


Но бог помог — стал ропот ниже,

И скоро силою вещей

Мы очутилися в Париже,

А русский царь главой царей.

А.С. Пушкин «Евгений Онегин» 10 глава.

 

Выставка «России слава незабвенна… Отечественная война 1812 года».

 

Отечественная война 1812 года – одно из ключевых событий в истории России. Память о победе над Наполеоном чрезвычайно широко и многообразно отражена в русской литературе, в изобразительном и декоративно-прикладном искусстве, в архитектуре. Для русской культуры XIX столетия эта тема является, бесспорно, одной из главных. Воинские подвиги на полях сражений, образы героев великого прошлого, память о павших стали основными направлениями в развитии национально-патриотической идеи.

Государственный Эрмитаж тесно связан с событиями 200-летней давности. Память о них воплощена не только в архитектуре Дворцовой площади, где Триумфальная арка Карло Росси перекликается с Александровской колонной Монферрана, но и продолжается в залах Зимнего дворца. В архитектурном убранстве Александровского, Пикетного, Гербового, Фельдмаршальского и других залов музея воплощена идея прославления русского оружия, прославившего себя на полях сражений с Наполеоновской армии. Особое место здесь принадлежит Военной галерее. 332 портрета военачальников русской армии, а так же портреты союзных монархов и полководцев, возглавлявших войска антинаполеоновской коалиции, превратили ее в подлинный Пантеон славы героев кампании 1812-1814 годов.

Одна из самых славных страниц российской истории нашла свое отражение в многочисленных произведениях изобразительного и прикладного искусства, созданных как современниками, так и художниками более позднего времени и хранящихся в фондах Государственного Эрмитажа. На их основе и разворачивается рассказ о событиях начала XIX века. Более 200 экспонатов, в числе которых живописные произведения, рисунки и гравюры, а также вещественные памятники войны: наградные медали, ордена, предметы обмундирования и снаряжения русских войск, холодное и огнестрельное оружие, мемориальные предметы объединены в комплексная историческую экспозицию. Выставка рассказывает не только непосредственно о событиях Отечественной войны, в нее включены материалы, которые охватывают период от битвы при Аустерлице в 1805 г. до взятия Парижа в мае 1814 года. Отдельный раздел выставке посвящен сохранению памяти событий 1812 года в русской истории и культуре


Выставка "Пять символов счастья: благопожелания в китайском искусстве".

Выставка "Пять символов счастья: благопожелания в китайском искусстве"

1 апреля - 1 октября 2016 года

На выставки представлены 240 экспонатов из коллекций Отдела Востока Государственного Эрмитажа, большая часть из которых будет показана впервые. 

Выставка раскрывает удивительный символический образный язык Поднебесной. Все мотивы и изображения на предметах и графических работах носят благопожелательный характер и призваны привлечь в жизнь человека главные составляющие счастья. Гарантом его достижения служит приобретение пяти благословений – долголетия, богатства, успехов в карьере, рождения сыновей и мира.

Хронологически все предметы выполнены в период династии Цин (1644-1911) и первой половине XX века. Спектр материалов, представленных на выставке, разнообразен: благопожелательная символика проиллюстрирована на примере изделий из фарфора, метала, дерева, лака, кости, шелка и предметов, выполненных в технике перегородчатой и расписной эмали. 

В экспозицию вошли 70 образцов новогодней картины (няньхуа), из коллекции академика В.М.Алексеева, одной из лучших в мире. Яркие красочные картинки, напечатанные на бумаге в технике ксилографии, вывешивались в преддверии Нового Года в жилищах небогатых китайцев. Их содержание и надписи сулили исполнение пожеланий и счастье. 

Культура Китая отличается своей непрерывностью и традиционностью; система символов и образов складывалась в древности, и сохранилась практически до наших дней. Ко времени династии Цин (1644-1911) многие древние символы, имеющие глубокое многогранное значение, в народной среде приобрели упрощенный, благопожелательный смысл. В таком виде они бытуют и поныне. 

Самый простой способ пожелания счастья, добавивший к ряду китайских символов некоторые популярные мотивы, это непосредственное изображение предмета мечтаний. Например, пожелание рождения здоровых сыновей отражает фигурка или рисунок толстого улыбающегося мальчика.

Часть мотивов возникла благодаря яркому образному мышлению и наблюдательности китайского народа. Так, карп, преодолевающий речные пороги, сравнивается со студентом, стремящимся сдать экзамены для получения должности чиновника.

Один из важнейших способов формирования символического визуального ряда связан с особенностями китайского языка. Речь идет об омонимах – о созвучии в произношении разных иероглифов и понятий, о способе двойного толкования. Например, летучая мышь (фу), произносится так же как «счастье», а сорока (си) – как «радость». Соответственно изображение летучей мыши и сороки, следует воспринимать как пожелания счастья и радости. 
К выставке выпущен иллюстрированный каталог. Куратор выставки – Лидия Викторовна Поточкина, младший научный сотрудник Отдела Востока Государственного Эрмитажа.

Посмотреть виртуальный тур по выставке "Пять символов счастья: благопожелания в китайском искусстве"


Выставка "От Николая I до Николая II. Эпоха историзма в России"

ОТ НИКОЛАЯ I ДО НИКОЛАЯ II. ЭПОХА ИСТОРИЗМА В РОССИИ

18 сентября 2015г.- 18 марта 2016г.

В 1840-е годы известный русский критик Виссарион Белинский, внимательно наблюдавший за происходившими вокруг переменами, написал: «Век наш – по преимуществу исторический век...» Действительно, ориентация на культуру разных народов и периодов прошлого, охватившая всю Европу, стала главным «credo» художников, творивших в 1820-90-е годы. Это явление получило название «историзма» (по аналогии с «классицизмом», «романтизмом», «сентиментализмом») или «эпохи историзма». Еще в 1930-е годы в своей статье «Историзм. Попытка определить понятия» немецкий автор Вольфганг Гетц «предложил различать историзм как образ мыслей, а эклектизм как художественный метод». Этих позиций придерживаются и современные исследователи.

     В русле историзма наблюдалось параллельное развитие сразу нескольких «стилей» или «вкусов». Среди них особенным предпочтением пользовались «готический», «помпейский», «неогрек», «ренессанс», «рококо», «восточный», «русский», «византийский».  Эти термины, во многом условные, подразумевали определенный набор декоративных средств, в котором преобладали узнаваемые ориентиры (или прямые цитаты) из конкретного периода прошлого. Однако, несмотря на интернациональность рассматриваемого явления, в каждой стране сложилась своя школа изучения эпохи историзма и свои определения хронологических периодов ее развитии. Культурная среда в России, вливаясь в общеевропейский поток, несомненно, имела свои национальные отличия, обусловленные как особенностями социально-политической ситуации, так и личностями правящих монархов. Эпоха историзма охватила правления сразу четырех императоров: Николая I, Александра II, Александра III и первые годы царствования Николая II. Среди них самое большое влияние на формирование романтического восприятия истории оказал, несомненно, Николай I, взошедший на престол в 1825 г.

Одним из главных лейт-мотивов его правления стало увлечение культурой Средневековья, основу которой составляли понятия о чести, беззаветной преданности вассалов своему сюзерену, идиллическое поклонение недоступной прекрасной даме. Смысловые параллели напрашивались сами собой: во главе государства стояли храбрый «рыцарь Николай» и его «прекрасная дама» - императрица Александра Федоровна. С одной стороны - дисциплина, муштра, парады, а с другой – карусели, балы, маскарады.

Новые увлечения, сдерживаемые до поры волею Александра I, неизменного сторонника классики, буквально захлестнули культурную жизнь России.  Проекты новых построек еще только готовились претворять в жизнь, мастера-декораторы подбирали новые решения для убранства интерьеров, а завсегдатаи светских салонов уже щеголяли в нарядах, поражавших воображение. Рассказывая об одном из парадных обедов в богатом столичном доме, писатель М.Ю.Лермонтов, например, в своем романе «Княгиня Лиговская» (1828), отмечал: «в одежде этих людей, так чинно сидевших вокруг длинного стола, уставленного серебром и фарфором, так же как в их понятиях, были перемешаны все века. В одеждах их встречались глубочайшая древность с самой последней выдумкой парижской модистки…» Расширив спектр художественных приемов, романтизм как явление сыграл большую положительную роль, он облегчил переход от нормативности классицизма с его относительно узким ассортиментом конструктивно-декоративных приемов к освоению всего культурного наследия человечества. Наблюдаемый в это время  рост городов был обусловлен бурным развитием технического прогресса и созданием крупных производственных центров, что неизбежно влекло за собой увеличение гражданской застройки. Прозаической среде жилой застройки из однотипных доходных домов романтизм противопоставлял новые эстетические идеалы, украсив их фасады декором в разных «стилях».

К началу царствования Николая  II (1894) границы Петербурга заметно расширились, а его центральные улицы представляли собой удивительный конгломерат зданий, построенных в самых разных “стилях», украшенных узнаваемыми историческими реминисценциями. Образцами для подражания служили, конечно же, дома членов императорской фамилии и наиболее знатных горожан. Их композиционно-декоративные решения, задуманные ведущими зодчими с учетом самых последних технических новинок, представляли собой те «маяки» в городской среде, на которые равнялись рядовые застройщики.

Огромное значение имело восстановление главной резиденции царской семьи – Зимнего дворца, сгоревшего в 1837 г. Его барочный фасад Николай I решил воссоздать в прежнем виде, а вот оформление жилых интерьеров, порученное А.Брюллову, должно было отвечать всем требованиям современного комфорта. Для подданных русского государя дворец стал, по словам Гоголя,  своего рода наглядной энциклопедией «истинного вкуса и оригинальности». Еще одним важным событием, заметно повлиявшим на обогащение творческой палитры художников-декораторов, стало завершение в Москве Большого Кремлевского дворца  (1849). Кроме того, в эпоху историзма в Петербурге было возведено сразу несколько великокняжеских дворцов.

    Опыт изучения средневековых конструкций с их стрельчатыми арками, позволявшими перекрывать огромные пространства при минимальной толщине стен, не прошел даром. Эти знания пригодились при возведении архитектурных сооружений совершенно нового типа, таких, как вокзалы, выставочные павильоны, здания цирков, спортивных комплексов и т.д. Готическое наследие дало толчок свежим идеям, а технический прогресс, изобретение новых материалов (гальванопластика, бетон, железо) облегчили задачи строителям.

     Богатое разнообразие технических и художественных новинок, свидетелями которых стали люди XIX века, нашло яркое воплощение в таких событиях, как внутрироссийские выставки, первая из которых была организована в 1829 г. С этого времени различные выставки регулярно устраивались не только в Санкт-Петербурге и Москве, но и в других городах России. А в 1851 г. в Хрустальном дворце в Лондоне состоялось грандиозное событие - открытие первой Всемирной экспозиции достижений в области науки, техники, промышленности, искусства. Международные выставки вызывали огромный интерес, тысячи людей устремлялись новые экспозиции, причем, состав публики был самым разным. Здесь появлялось все больше деловых людей, присматривавших выгодные заказы, интересные изобретения, изделия художественной промышленности. Каждая из  выставок широко освещалась в печати, а также сопровождалась публикациями,  альбомами, каталогами, открытками.

     Подобные наглядные пособия в большом количестве поступали и в Россию. Здесь во многих городах развернулась целая индустрия изготовления «стильных» предметов из дерева, фарфора, бронзы, стекла, тканей и т.д. В острой конкурентной борьбе рождались новые устройства для механизации производства, а также использования вместо дорогостоящих материалов их более дешевых заменителей. Потребность в квалифицированных специалистах прикладных видов искусства привела к открытию таких крупных учебных заведений, существующих и поныне, как «Строгановское училище технического рисования» в Москве (1860) и «Центральное училище технического рисования» в Санкт-Петербурге (1876), организованного на средства барона А.Л.Штиглица. Большую роль в воспитании кадров профессиональных мастеров различных ремесел сыграло, например, в Санкт-Петербурге «Ремесленное училище цесаревича Николая» (1875), находившееся под покровительством царской семьи. Подобные учебные заведения в разных формах возникали по всей России.

К концу 1880-х годов такие крупные предприятия, как фабрика Ф.Мельцера, Ф.Тарасова, Н.Свирского, И.Платонова (бывшего крепостного) брали подряды на полное внутреннее оформление всего здания, включая паркетные полы, отделку потолков и стен, предметы мебели, осветительные приборы, обои и драпировки из тканей. Заказчику достаточно было указать «стиль» того или иного помещения, а остального «додумывали» дизайнеры фирмы.

Всеобщий интерес к истории, в том числе своего Отечества, особенно поощряемый русофилом Александром III (1881-1894), способствовал развитию просветительства в самых разных его формах. По всей стране наблюдалось распространение библиотек, частного коллекционирования, организации передвижных выставок, археологических экспедиций, различных обществ «поощрения художеств». Особыми событиями в жизни России стали открытия больших и малых, частных и государственных историко-художественных музеев. Эти события словно подвели черту под историческими и художественными поисками сразу нескольких поколений. 

Заместитель заведующего Отделом истории русской культуры, кандидат искусствоведния Н.Ю.Гусева
 

Посмотреть виртуальный тур  по выставке "От Николая I до Николая II. Эпоха историзма в России"


Натюрморт в искусстве Западной Европы XVI-XIX веков из собрания Государственного Эрмитажа

Натюрморт в искусстве Западной Европы XVI-XIX веков из собрания Государственного Эрмитажа
7 февраля - 8 сентября 2015 г.

Выставка посвящена одному из самых интересных жанров изобразительного искусства - натюрморту. На ней представлены   картины и предметы прикладного искусства, созданные  мастерами  Западной Европы в XVI - XIX веках.  В выставленных картинах   главное место принадлежит изображению объектов "живой" и "неживой" природы - цветов и плодов, дичи, рыбы, домашней утвари, профессиональных атрибутов и тому подобного. Все это - образцы старого европейского - "классического" натюрморта, основные типы которого оформились  в XVII столетии, когда молодой жанр европейского искусства переживал первый расцвет - свой "золотой век".

На выставке можно увидеть произведения мастеров ведущих художественных школ и центров Западной Европы  XVI - XIX веков, но  численно преобладают работы голландских и фламандских живописцев, явившихся  зачинателями  натюрморта как самостоятельной ветви станковой живописи. Творчество итальянских,  французских, немецких и английских художников  отражено в экспозиции лишь фрагментарно. В целом экспонаты выставки не столько дают возможность судить  о специфических чертах различных национальных школ или общем ходе эволюции  и отдельных этапах развития натюрморта, сколько  позволяют составить яркое представление о своеобразии жанра, его главных особенностях.

  Выставленные работы позволяют продемонстрировать многообразие  тем и мотивов, характеризующих старый европейский  натюрморт, и, вместе с тем, показать устойчивость его типов в европейском искусстве. Ведь включенные в состав выставки работы художников XVIII и XIX веков,  являются, по существу,  вариациями тематических и композиционных типов, сложившихся ранее -  в "золотой век" натюрморта.  Прежде всего, это – разнообразные настольные натюрморты. Здесь  «завтраки», «закуски»,  роскошные «десерты», а также ученый натюрморт «Vanitas» (суета сует).

XVI--XVII века - время бурного развития ботаники и появления во многих европейских странах ботанических садов. Живой интерес к достижениям науки и к новым для европейцев  сортам цветов, лишь недавно завезенным с других континентов, явился одним из побудительных стимулов к возникновению самого жанра цветочного натюрморта. На заре становления жанра цветочного натюрморта - на рубеже XVI--XVII веков - картины с изображением цветов могли служить своеобразной заменой реальным объектам, позволяя владельцам подобных картин  наслаждаться видом прекрасных цветов даже зимой. Впрочем, со временем и в цветочный натюрморт проникла  идея "vanitas", подсказанная скоротечностью  существования  самого цветка. А в гирляндах, обрамлявших разнообразные евангельские  сцены, представлявшие Христа, Мадонну или святых, цветы были наделены религиозным смыслом. Подобные произведения  обычно предназначались для украшения католических храмов.

В натюрмортах итальянских мастеров XVII века на первый план выступают декоративные качества. В отличие от произведений их североевропейских коллег, работы итальянцев, как правило, лишены какого-либо повествовательного аллегорического начала.  Растительный натюрморт был главенствующим типом натюрморта в итальянской живописи XVII столетия. Вещи, в узком смысле слова неодушевленные предметы, редко становились объектом внимания итальянских художников. Исключение составляли, пожалуй, только музыкальные инструменты и восточные ковры. Такие картины всегда отличались подчеркнуто декоративным характером. Декоративность являлась основной чертой композиций из рыб и морской фауны.

По своему характеру и назначению декоративными, в первую очередь, были и композиции с охотничьими трофеями, представлявшие самую позднюю по времени возникновения разновидность натюрморта в живописи Западной Европы XVII века.

 

                                                                  Хранитель отдела Западноевропейского изобразительного искусства Государственного Эрмитажа – Н.И. Грицай

 


Старинное оружие из собрания Государственного Эрмитажа

                     Старинное оружие из собрания Государственного Эрмитажа
                                                   23 мая 2014 - 25 января 2015 г.

Коллекция старинного оружия, хранящаяся в Государственном Эрмитаже, по праву считается одной из лучших в мире. Ее формирование началось еще в начале XIX века, когда юному великому князю Николаю Павловичу, будущему императору Николаю I была подарена трофейная турецкая сабля, ставшая первым экспонатом его личного собрания, которое быстро увеличивалось за счет многочисленных подарков, закупок и трофеев, которые с увлечением собирал юный цесаревич в Аничковом дворце. К 1834 году коллекция увеличилась настолько, что было решено переместить ее в специально построенное в виде средневекового замка здание в Царском Селе, получившее название «Арсенал». К 1850 году в Царскосельском арсенале насчитывалось уже более 5000 предметов старинного вооружения из стран Западной Европы и Востока. Значительное место занимали и образцы русского вооружения. Преемники Николая I продолжали интенсивно пополнять собрание, и в 1885—1856 годах по решению Александра III оно было перемещено в Эрмитаж, где в 1888 году была открыта первая экспозиция. После 1917 года в Эрмитаж начали поступать национализированные частные коллекции из дворцов, покинувших страну русских вельмож, а также из расформированных музеев. Сейчас коллекция старинного оружия насчитывает около 15 000 экспонатов и не перестает пополняться через Фондово-закупочную комиссию. Значительная часть этой коллекции, представленная на выставке, позволяет продемонстрировать посетителям этапы развития оружейного искусства и показать произведения, созданные трудом и талантом мастеров прошлого.

История оружия насчитывает многие тысячелетия. Еще на ранних стадиях развития человеческого общества оно всегда сопровождало человека, занимая исключительно важное место в его жизни, являясь предметом первой необходимости. Оружие служило не только средством защиты от врагов и добывания пищи, но и символом свободы и независимости владельца, предметом его гордости. На протяжении многих тысячелетий во время войн, в битвах с его помощью решали межгосударственные споры, оно помогало людям защищать свою землю и свою независимость, свои семьи, отстаивать честь женщины, свою любовь. От качества личного оружия и умения им владеть порой зависела человеческая жизнь. Поэтому как богатые и знатные, так и бедные простолюдины во все времена ценили его едва ли не выше любой другой своей собственности. Кроме того, оружие отражало высокое положение человека в обществе, а также символизировало могущество государства, и в этом случае оно требовало соответствующего декоративного оформления. Во время парадов, шествий, праздников оно украшало богатые одежды участников этих торжеств. Вот почему в изготовлении такого оружия принимали участие не только искусные ремесленники — кузнецы, механики, полировщики, которые отвечали за технические качества, но и художники-декораторы — чеканщики, резчики, граверы, ювелиры его украшавшие. Ассирийские и урартские цари, римские и византийские императоры, восточные владыки, западноевропейские короли и русские цари демонстрировали свое роскошное оружие во время шествий, официальных встреч с другими правителями, на охоте. Очень часто такое оружие входило в число дипломатических даров, тем самым способствуя установлению, как это ни парадоксально, дружеских отношений между государствами. А во время войн на первое место выходила другая сторона оружия — его техническое совершенство, функциональность, новизна, передовая оружейная мысль, которые зачастую решали не только исход отдельных сражений, но и весь результат войны, а иногда и судьбу государства. Очень хотелось бы, чтобы оружие скорее перестало бы исполнять свою основную функцию, и осталось лишь символом или музейным предметом. Выставка должна продемонстрировать симбиоз конструктивного развития и искусства, и художественное убранство оружия является в данном случае не менее важным аспектом, чем его технические характеристики.

Показать развитие оружия и оружейного искусства на протяжении многих столетий на богатом и разнообразном материале из фондов Эрмитажа, дать представление о его отличительных чертах, продемонстрировать многочисленные формы и виды оружия, рассказать о центрах производства и знаменитых мастерах его изготовлявших — таковы цели, определившие смысл и задачи этой экспозиции.

Боевое и охотничье, парадное и спортивное, экспериментальное и состоявшее на вооружении много десятилетий, дуэльное и турнирное — вот тот широкий спектр предметов оружейного искусства, который посетитель сможет увидеть на выставке. Оружие средневековых викингов, блестящие рыцарские доспехи, щиты и шлемы, знаменитые восточные клинки из булатной стали, отличавшиеся не только крепостью и гибкостью, но и красивым рисунком. Мечту многих любителей оружия — японскую катану («душу самурая») также можно увидеть на выставке.

Ятаганы, мощные арбалеты, первые фитильные ружья и мощные армейские винтовки конца XIX века, великолепные сабли, шпаги, и много других предметов вооружения. Географический диапазон, представленных на экспозиции предметов вооружения охватывает много стран.

Конечно, упор делается на ведущих производителей оружия. Таковыми в Европе были Германия, Италия, Франция, Испания, Голландия, Англия, Дания; среди восточных стран большое место отведено Турции и Ирану. Кроме того, на выставке можно будет ознакомиться с предметами вооружения из Индии и Японии, Средней Азии и Кавказа, Таиланда и Китая, а также из других азиатских регионов. Значительное место отводится показу русского оружия, изготовленного в крупнейших оружейных центрах нашей страны — В Москве, Туле, Златоусте, Санкт-Петербурге.

Хронологические рамки выставки в соответствии с исторически сложившимися рамками коллекции охватывают большой временной отрезок от IX и до конца XIX столетия.

Выставка знакомит посетителей с уникальными образцами оружия, в течение многих лет хранящихся в Эрмитаже. Ее экспонаты дают возможность оценить тот вклад, которые внесли оружейные мастера в развитие декоративно-прикладного искусства, а также продемонстрировать на лучших образцах их техническое совершенство и богатое художественное убранство. Эти предметы давно утратили свое практическое назначение, но их достоинства убедительно свидетельствуют о таланте и мастерстве оружейников прошлого.  

                                                    Куратор выставки Ю.Г. Ефимов, заведующий сектором оружия отдела   «Арсенал» Государственного Эрмитажа.

 

 

 


«Мир кочевников. Из археологических коллекций Государственного Эрмитажа»

«Мир кочевников.
    Из археологических коллекций Государственного Эрмитажа»
16 ноября 2013  - 11 мая 2014 

Так называемый степной пояс Евразии протянулся широкой полосой от Северного Китая на востоке, охватывая значительную часть Южной Сибири и Центральной Азии до Северного Причерноморья в европейской части. На протяжении тысячелетий на пространствах этого гигантского «степного коридора» расселялись племена кочевников, культурные особенности которых, отраженные в археологических находках, призвана показать выставка.

Экспозиция выстроена в хронологическом порядке и разбита на тематические блоки, демонстрирующие особенности культуры различных регионов Европы и Азии от начала I  тыс. до н.э. до сложения тюркских каганатов на востоке и гуннского вторжения на западе. Экспонаты – древние предметы, поступившие в Эрмитаж как из археологических раскопок курганов и стоянок,  так и собранные коллекционерами еще в конце XIX – начале XX вв. Среди них есть известные на весь мир шедевры, неоднократно выставлявшиеся на различных выставках и постоянно экспонирующиеся в Эрмитаже; есть и скромные изделия, призванные показать одну из сторон жизни простого кочевника.

Открывается выставка залом культуры скифского времени, где соседствуют самые ранние памятники Европы и Центральной Азии. Скифское изваяние воина с тщательно проработанным горитом на поясе и ритоном в руке – экспонат, впервые представленный для обозрения, встречает посетителей выставки при входе в зал. Золотые и бронзовые изделия из «царских» погребальных мемориалов Тувы – знаменитых курганов Аржан-1 и Аржан-2 – выполненные в самобытном зверином стиле, дополняются каменными стелами и плитами с выбитыми на них рисунками. Великолепное бронзовое литье племен тагарской культуры Среднего Енисея и резные роговые предметы из могильника Аймырлыг свидетельствуют о подлинно народном характере искусства азиатских номадов, когда в зверином стиле украшались бытовые утилитарные изделия. Представленные на выставке находки из захоронений скифов Предкавказья и Северного Причерноморья демонстрируют ранний этап контактов кочевников и ближневосточных государств, о которых свидетельствуют некоторые парадные золотые предметы. Позднее скифы соседствовали с греческими колониями, откуда к ним поступало вино в амфорах и столовая посуда. Греческие мастера изготавливали для кочевников великолепные кубки, на которых мы можем увидеть изображения скифов. Один из таких сосудов демонстрируется на выставке. Небольшая экспозиция археологических находок из памятников Приуралья призвана показать общие и особенные черты кочевой культуры Европы и Азии на огромной территории Евразийской степи.

В следующем зале демонстрируется часть знаменитой на весь мир коллекции Эрмитажа, происходящих из раскопок пазырыкских курганов Алтая. Уникальные изделия, исполненные из дерева, войлока и кожи сохранились в ледяных линзах, образовавшихся в глубоких могилах знати, позволяют представить культуру номадов с редкостной для древности этнографической полнотой. Здесь же представлены золотые украшения и части поясных гарнитур из Сибирской коллекции Петра Первого – собрания, с которого началось музейное дело в России.

Тематический блок, связанный со следующей эпохой в развитии кочевой культуры Евразии и вызывающий не меньший интерес, представлен находками в хуннуских курганах Ноин-Улы. Особый интерес вызывают найденные там образцы полихромных тканей и войлоков с аппликациями, датированные рубежом новой эры. Европейские памятники представлены изделиями воинственных сарматов, сменивших скифов в причерноморских степях, в том числе украшения из кургана Хохлач, содержавшего богатейшее захоронение женщины-жрицы. Эпоха Великого переселения народов в середине I тыс. н.э. открывает новую страницу истории кочевых племен Евразии. Золотые изделия в так называемом полихромном стиле, бронзовые котлы особой формы, оружие и украшения сбруи коня представляют культуру европейских гуннов.

Последний зал выставки посвящен средневековым номадам. На востоке в это время на историческую арену выходят тюркские племена – предки многих современных народов. Каменные скульптуры воинов, наряду с другими предметами материальной культуры, происходят из разных мест Средней и Центральной Азии, демонстрируя распространение тюркского влияния на огромной территории. В прикладном искусстве этого времени окончательно утвердился орнаментализм, что можно увидеть на примере поясных гарнитур и украшений конской сбруи. Особая тема – тюркское руническое письмо, зафиксированное в основном на мемориальных стелах. На выставке представлена редкая находка руники на деревянной палочке из Киргизии. Европейские памятники этого периода демонстрируются на примере великолепного комплекса из Перещепино, который, по мнению исследователей, является захоронением известного по средневековым летописным текстам хана Куврата.

 


"Испанское искусство в собрании Государственного Эрмитажа"

                            "Испанское искусство в собрании Государственного Эрмитажа"

                                                           20 апреля 2013  - 28 октября 2013 

Эрмитажная коллекция старой испанской живописи считается наиболее многочисленной среди музейных коллекций за пределами Пиренейского полуострова. Она включает произведения интернациональной готики XV в., работы известных живописцев XVI в., картины школы Эскориала. Основную часть собрания составляют полотна художников XVII в., «золотого века» испанского искусства. В Эрмитаже хранятся шедевры всех прославленных живописцев – Эль Греко, Риберы, Сурбарана, Веласкеса, Мурильо. Вместе с тем, в состав коллекции вошли произведения мастеров, не принадлежащих к звездам первой величины.
    На выставке в Эрмитаж-Выборг, посвященной испанской живописи, представлены работы XVI – начала XVIII в., большинство из которых хранятся в фонде и экспонируется редко.

     У каждой из представленных на выставке картин своя история, свой путь, так же как и у их создателей. Например, знаменитая картина «Обрезании Христа» Луиса де Карвахаля (около 1556–1607). Уроженец Толедо, он побывал в 1577 г. в Риме, а по возвращении на родину, в 1579 году был приглашен ко двору для работы над художественным убранством монастыря-дворца Эскориал, месте зарождения новых прогрессивных тенденций. На Карвахаля сильное воздействие оказали итальянские художники, работавшие в Эскориале, , в частности, Федерико Цуккаро (1540/41–1609), который в 1585 году приехал с группой помощников по приглашению Филиппа II и прожил в Испании три года.

В Мадриде и Эскориале начинал свою деятельность Франсиско Рибальта (1565–1628). Он в семнадцать лет уже жил в Мадриде, где создавал свои полотна около двух десятилетий. Об этом периоде деятельности мастера почти ничего неизвестно. Поэтому особый интерес представляет эрмитажное полотно «Апостолы у гроба Христа», относящее ко времени пребывания Рибальты в Мадриде.

Одна из ведущих художественных школ Испании XVII века – севильская. Маленькая изящная картина «Встреча Марии и Елизаветы» Хуана дель Кастильо (ок. 1590 – ок. 1657), написанная в маньеристическом стиле, дает представление о живописной манере, предшествовавшей расцвету реализма. Величайший из испанских живописцев золотого века, Диего Веласкес (1599–1660) был непревзойденным колористом, свобода его кисти предвосхитила на два столетия импрессионизм. Выставленная картина «Мужская голова в профиль» – фрагмент утраченного полотна Веласкеса на сюжет застолья, одного из тех, которые художник создавал в юности.Так можно продолжать о каждом из живописцев: Франсиско де Сурбаран, Алонсо Кано, Педро Атанасио Боканегра, Бартоломе Эстебан Мурильо, Мигель де Тобар, Игнасио Ириарте, Хуан Карреньо де Миранда, Хосе Антолинес и т.д.

Значительное внимание посетителей привлечет коллекция оружия, которая будет выставлена наряду с полотнами знаменитых живописцев. Оружейное искусство Испании — яркое и самобытное явление в национальной культуре. Будучи ее неотъемлемой частью, оно имело, и долгое время сохраняло, свои традиции и характерные особенности.

На протяжении всей своей многовековой истории Испания принимала участие практически во всех европейских военных конфликтах, а также покоряла земли Нового света, что требовало развития оружейного дела. Веским доказательством того, насколько ценились изделия испанских мастеров означенного времени, служит тот факт, что они достойно представлены в крупнейших музейных и частных оружейных собраниях мира. Хронологически предметы вооружения, находящиеся в Арсенале Эрмитажа, расположены в основном между концом XV и концом XIX века. Таков и временной диапазон коллекции испанского оружия, в котором представлены практически все его виды, производимые в этой стране.

Выставка испанского искусства была бы не полной без ярких самобытных предметов, окру­жавших людей в их повседневной жизни. Если живописные полотна и скульптура создавались в основном для церквей и дворцов, то изделия ремесленников предназначались для гораздо более широкого круга заказчиков: они украшали и королевские покои, и интерьеры замков, и дома зажиточных горожан, и жилища крестьян. В формах и декоре этих предметов нашли отражение культурные традиции различных слоев испанского общества. Эрмитаж обладает одной из лучших коллекций прикладного искусства Испании за ее пределами. На выставке представлены наиболее характерные предметы XIV—XIX веков, выполненные испанскими мастерами: резная кость, бронза, мебель, декорированная тисненой кожей, керамика, расписанная металлическим люстром, стекло, ткани и вышивки. Разные периоды в жизни страны отмечены расцветом тех или иных ремесел, наиболее отвечавших потребностям общества.

Богатсво семей демонстрировалось в гостиной, предназначенной для приемов. Они были обставлены тяжелыми сундуками из резного дерева, кабинетами с выдвижными ящичками, буфетами и этажерками, на которых стояла дорогая посуда, стены были украшены картинами. Мебель из дорогих пород дерева украшалась инкрустацией и накладками из серебра, перламутра, кости. От более ранних периодов сохраняется обычай декорировать мебель накладками из кованого железа, под которые подкладывали красный бархат или сукно.

Монополией испанских мастеров долгое время была выработка кожаных обоев и обивок для мебели. Тисненой кожей обтягивались стулья, кресла, сундуки, причем обивка прикреплялась медными гвоздями с большими шляпками, выполнявшими декоративную роль. Обои украшались тисненым рельефным узором, составленным из крупных цветов и листьев, расписанных и позолоченных, нередко изображались арабески, вазы, путти, экзотические птицы и гербы. Украшением интерьера испанского богатого дома служили и керамические сосуды, расписанные люстром и обладавшие сверкающим металлическим отблеском — так называемая испано­мавританская керамика. Цвет люстра бывает чрезвычайно разнообразным — то светлый, бледно-зеленый, то темный, напоминающий бронзу, то зеленоватый или синеватый.

Традиционной отраслью Испании всегда было стеклоделие, по своей экономической значимости опережая даже керамическое производство. Вплоть до начала XIX века славились толстостенные стеклянные сосуды Андалусии. Ассортимент андалузских изделий отличался удивительным разнообразием: многоручные вазы в мавританском стиле, сосуды для воды и вина, ароматники, бутыли и фляги, подсвечники, солонки и просто игрушки. Все они обильно украшались фестонами, налепами в виде цветов, геометрическим орнаментом, цепочками.

Славились своим изяществом предметы в технике знаменитой венецианской филиграни, вышедшие из мастерских столицы Каталонии Барселоны. Тонкие, переплетенные между собой нити молочного стекла украшали различные изделия, в том числе характерных именно для Испании форм: кантиры и порро, использовавшиеся для воды и вина.

Испанское прикладное искусство — яркая страница в истории культуры Европы. Его развитие проходило, с одной стороны, в едином художественном направлении с другими странами — Францией, Италией, Нидерландами. С другой стороны, тесное соприкосновение в течение столетий с арабской культурой способствовало появлению уникального сочетания западных и восточных традиций в работах иберийских мастеров.

                       Куратор выставки - Савватеев Святослав Константинович, хранитель отдела западноевропейского искусства.