Стекло, которым любовались. Шедевры XVI – XXI веков из собрания Государственного Эрмитажа

"Стекло, которым любовались. Шедевры XVIXXI веков из собрания Государственного Эрмитажа"

Выставочный центр Эрмитаж ‒ Выборг

с 1 мая по 24 октября 2021 года

 

 

 

1 мая 2021 года в Выставочном центре «Эрмитаж ‒ Выборг» открывается выставка «Стекло, которым любовались. Шедевры XVIXXI веков из собрания Государственного Эрмитажа».

Экспозиция знакомит зрителя с лучшими произведениями западноевропейского и русского художественного стекла XVI – начала XXI века из фондов Отдела западноевропейского прикладного искусства и Отдела истории русской культуры Государственного Эрмитажа. В ее составе более 190 экспонатов ‒ изящная столовая посуда с филигранью, массивные стопы, декорированные искусной гравировкой, бокалы и кубки, вазы, изделия со вставками из стекла, мозаичные картины, стеклярусные художественные композиции ‒ иллюстрирующие различные этапы эволюции стеклоделия в Европе и России.

Стекло – удивительный по богатству декоративных возможностей рукотворный материал. Свойственные ему пластичность, прозрачность и возможность создания богатой цветовой палитры уже около пяти тысяч лет восхищают ценителей всего изящного. Хрупкие сосуды демонстрируют удивительное мастерство создавших их художников-стеклодувов, гравёров, живописцев. Произведения являются безмолвными свидетелями не только технологических достижений, но могут поведать заинтересованному зрителю об изменении эстетических вкусов и этикета своего времени.

Стеклянные сосуды с конца XV века являлись обязательной частью европейского столового этикета. Изделия стеклодува сравнивали по красоте с сосудами из золота и серебра, признавая за ними лишь один, но существенный недостаток – хрупкость. В эпоху Ренессанса моду на стеклянные изделия в Европе диктовали работы мастеров Венеции. Визитной карточкой венецианских художников-стеклодувов стали сосуды, украшенные изящной филигранной нитью. К подобным произведениям относятся чаша-тацца (tazza), а также тарелка и бокалы для вина венецианской работы.

Одними из самых ранних экспонатов на выставке являются предметы из знаменитой коллекции Александра Петровича Базилевского (1829 ‒ 1899), представителя старинного дворянского рода, дипломата. Посвятивший себя коллекционированию предметов западноевропейского прикладного искусства, он создал знаменитую на весь мир коллекцию памятников Средневековья и эпохи Возрождения, которая была приобретена по личному распоряжению императора Александра III для Эрмитажа. На выставке из собрания  А.П. Базилевского экспонируются фляга пилигрима и стопа с изображением императора Священной Римской империи и семи электоров.

Искусные работы венецианцев столь восхищали современников, что в XVI веке в разных странах открывались мастерские, изготавливающие по их образцу свои изделия в так называемом венецианском стиле ‒ façon de Venise. Среди них бокал на «крылатой» ножке (Нидерланды (?). первая половина XVII века), ведерко (Нидерланды (?). первая половина XVII века).

Искусство XVII–XVIII веков характеризуется динамичным, пышным стилем барокко. На экспозиции можно увидеть работы мастеров-стеклодувов Богемии – важнейшего центра стеклоделия после Венеции, переживающего особый расцвет в XVIII столетии. В витринах представлены великолепные вазочки, флаконы, бокалы, а также произведения из молочного стекла, имитирующего фарфор, с характерными для фарфора того времени росписями в стиле рококо (Табакерка с крышкой на шарнире (около 1770), Графин с пробкой (около 1775)). Поражают красотой исполнения стеклянные изделия, с декором в технике межстеклянного золочения, известной в Древнем Риме и возрожденной именно богемскими мастерами (Бокал с изображением сцен охоты на зайца и лису (около1725 ‒ 1740 годы); Стакан с изображением охотничьих сцен (около 1740 года)).

На территории Германии в это время практически в каждом регионе работали свои центры по производству стекла. Их продукция отличалась разнообразием форм и декоративных приемов украшения изделий, например, особенностью работ силезских граверов середины XVIII века является изумительно тонко проработанный в деталях рисунок. К ним относятся экспонируемые вазочки для десерта с изображением пасторальных и охотничьих сцен.

Еще одной страной, где стеклоделие было важной традиционной отраслью производства, была Испания. Здесь художественные вкусы двора и знати ‒ основных заказчиков предметов прикладного искусства, были ориентированы на европейские образцы. На выставке представлены ваза-кружка, сосуд для ароматной воды, кувшины, исполненные испанскими мастерами XVII ‒ XVIII столетий.

В России реформы Петра I (1672 ‒ 1725) способствовали быстрому проникновению европейских традиций в повседневный быт. Строительство Санкт-Петербурга благоприятствовало открытию новых производств. В конце тридцатых годов XVIII века был создан Петербургский стеклянный завод. Его продукция предназначалась для императорского двора. На выставке можно увидеть Кубок «Большого орла» с вензелем «ЕР» (1741 ‒ 1761); Кубок с изображением боя с турками (около 1774 года) и другие. Изготовление цветного стекла стало отличительной особенностью русского стеклоделия второй половины XVIII –XIX веков. Основоположником этого направления считается Михаил Васильевич Ломоносов (1711 ‒ 1765). В результате опытов ученого была разработана рецептура для разнообразных оттенков цветного стекла, из которого составлялись мозаичные картины или изготавливались стеклярусные панно. На выставке представлен редкий образец мозаичного искусства того времени, дошедший до нас – мозаичная картина «Апостол Павел» (1769), а также стеклярусное панно «Вид усадьбы» (середина XVIII века). Оба произведения сделаны на Усть-Рудицкой фабрике (село Усть-Рудица, Копорский уезд Санкт-Петербургской губернии), созданной по прошению М.В. Ломоносова для изготовления разноцветных стекол, смальты, бисера, стекляруса.

В 1777 году в России князь Г. А. Потемкин реорганизовал деятельность Санкт-Петербургского стеклянного завода, вывел его в один ряд с лучшими европейскими производствами по качеству продукции. Среди предметов этого времени Компотница с крышкой из золотого рубинового стекла, особенно ценившегося при дворе императрицы Екатерины Великой. В начале XIX века мастера завода прославились производством не только столовой утвари, но, в первую очередь, декоративных ваз и осветительных приборов из хрустального стекла. На выставке экспонируются две парные вазы с бронзовыми ручками из темно-зеленого стекла (1810-е годы), ваза-чаша с ручками в виде змей из бесцветного хрусталя (1810 ‒ 1820 годы), ваза-чаша с ручками в виде птиц из золотого рубинового стекла (1810 ‒ 1820) и другие.

Середина – вторая половина XIX века для европейского и русского стеклоделия стали периодом художественного поиска. Мастера, работавшие в традициях эпохи историзма, черпали вдохновение в искусстве прошлого. Разнообразие декоративных решений нашло воплощение в многочисленных предметах из стекла, среди которых ваза в форме лампы для мечети (1878) – произведение выдающегося французского мастера художественного стекла Филиппа-Жозефа Брокара (1831 ‒ 1896), предметы из сервиза императорской яхты «Держава» (Императорский стеклянный завод, 1871 ‒ 1873) в декоре которых использован орнамент в виде плетеных канатов, якорей, цепей, а также русско-византийские мотивы.

В эпоху модерна стеклоделие переживает период наивысшего расцвета. Предметы, созданные Эмилем Галле (1848 ‒ 1904), выдающимся французским мастером, стали эталоном вплоть до начала Первой мировой войны, на несколько лет прервавшей развитие этого вида декоративно-прикладного искусства. В своем творчестве Эмиль Галле опирался на опыт предшественников. В его изделиях угадываются традиции венецианского стеклоделия, хорошее знакомство с искусством Китая и Японии. Наибольший успех сопутствовал вазам из многослойного стекла с тончайшими цветовыми переходами, среди которых представленные на экспозиции: ваза c изображением орхидеи (художник Э. Галле. 1895 – 1896), ваза с крышкой, с изображением цветов и листьев лотоса (художник Э. Галле. 1897), а также вазы с изображением папоротника и с изображением примулы, созданные в начале XX века на мануфактуре Эмиля Галле в Нанси (Франция).

Отдельный раздел экспозиции рассказывает о творчестве западноевропейских и российских мастеров второй половины XX и начала XXI века. Масштабная реорганизация производства художественных изделий из стекла пришлась на 1960-е годы. Именно тогда было заложено основание студийному стекольному движению, актуальному в наши дни во всем мире. В 1970-х годах к нему присоединилась и Россия. Мировое студийное стекольное движение окончательно утвердило ведущую роль художника в создании произведения, но потребовало от него профессиональных навыков в работе с материалом. Благодаря этому движению за прошедшие десятилетия появилось много новых ярких имен, среди которых чешский скульптор Павел Глава (1923 ‒ 2003), шведский художник Бертиль Валин (р.1938), потомственный венецианский мастер Алессандро Мандрузато (р.1970). Произведения этих мастеров включены в состав нынешней экспозиции. Работы мастеров стеклоделия, созданные в России в 1990 – 2000-х годах, отличаются нестандартным подходом в постановке композиций, организации пластических объемов, цветовых решений. На выставке можно увидеть декоративные композиции «Золотой папоротник» (1989), «Волна» (конец 1980-х), «Кот» (1989), «Ручей» (2000), панно «Праздник» (2012) и другие произведения.

Предметы декоративно-прикладного искусства со вставками из стекла, среди которых карманные часы, миниатюрные флаконы для духов, пряжки, применяемые для декора обуви, а также костюмы, украшенные великолепными вышивками стеклярусом и бисером, являются своеобразным дополнением экспозиции.

Выставка подготовлена Отделом западноевропейского прикладного искусства (Заведующая Ольга Григорьевна Костюк) и Отделом истории русской культуры (Заведующий Вячеслав Анатольевич Федоров) Государственного Эрмитажа.

Кураторы выставки Елена Анатольевна Анисимова, старший научный сотрудник Отдела Западноевропейского прикладного искусства Государственного Эрмитажа и Татьяна Николаевна Панкова, старший научный сотрудник Отдела истории русской культуры.

К выставке выпущен научный иллюстрированный каталог «Стекло, которым любовались. Шедевры XVI-XX веков в собрании Государственного Эрмитажа».

Авторы вступительных статей к каталогу: Е.А. Анисимова, Т.Н. Панкова ‒ «Стекло, которым любовались. Шедевры XVI-XX веков в собрании Государственного Эрмитажа»»;  Е.А. Анисимова ‒ «Художественное стекло в собрании Государственного Эрмитажа».

 

 


Зерцало Востока. Японское искусство эпохи Эдо (1603–1868) из собрания Государственного Эрмитажа

Впервые в выставочном центре «Эрмитаж – Выборг» будет представлена выставка произведений искусства Японии из собрания Государственного Эрмитажа, которая продлится

с 26 декабря 2020 года по 15 апреля 2021 года.

Для экспозиции отобрано почти 300 экспонатов изобразительного и прикладного искусства, созданных в XVII – первой половине XIX века. В связи с тем, что графика может находиться на свету не более двух месяцев, в конце февраля будет произведена полная замена гравюр: на ротацию подготовлен второй комплект из более 80 печатных листов.

Выражение «Зерцало Востока» (Адзума кагами), использованное в названии выставки, упоминается в исторической хронике XIII века, посвященной вооруженному противостоянию двух кланов во времена, когда военное правительство было отделено от императорской власти, и политический центр впервые был перенесен в восточный регион страны. Начиная с XVIII века речевой оборот использовался в названиях гравюр укиё-э, если в них изображался расположенный на востоке город Эдо (совр. Токио) и, если хотели подчеркнуть подлинность, правдоподобие изображенного.

Токио, политический, финансовый и культурный центр Японии, город небоскребов и высоких скоростей, возник на месте небольшой деревушки в начале XVII века волею талантливого полководца Токугава Иэясу (1543–1616), чье правление положило начало мирному периоду в истории страны, и олицетворением этой эпохи стала столица, им основанная. С 1603 по 1869 год город называли Эдо, а в обиходе часто именовали «Восточная столица», противопоставляя старой императорской столице Киото, находившейся в западном регионе. Именно в Эдо формировалась новая городская культура, связанная с ростом влияния купеческого сословия. Литература и искусство Восточной столицы, нормы поведения и морали, вкусы и пристрастия столичных жителей стали образцовыми для провинциалов и, распространяясь по стране, определили контуры эпохи, столь отличной от предыдущих. Строительство и обустройство города потребовало переезда из разных провинций художников и мастеровых, в чьих произведениях, как в зеркале, нашло отражение все своеобразие новой эпохи. Представленные на выставке экспонаты дают возможность взглянуть на жизнь горожан глазами их современников.

Основу экспозиции составляют гравюры укиё-э («картины быстротекущего мира»). В эпоху раннего Средневековья термин укиё имел религиозную окраску и под выражением «быстротекущий мир» понимался «бренный мир», к которому, согласно буддийскому учению, люди имеют душевную привязанность, препятствующую достижению просветления. К XVII веку смысл термина изменился, стал более поверхностным и подразумевал просто «изменчивый мир», наполненный быстро сменяющимися событиями. В литературе новая философия нашла отражение в популярных рассказах укиё-дзōси о любви и супружеских изменах, о перипетиях купеческой жизни. В изобразительном искусстве сформировался новый стиль, объединивший живопись на свитках и гравюру укиё-э («картины быстротекущего мира»), сюжетом для которых стала веселая, наполненная событиями жизнь горожан.

Первые черно-белые гравированные изображения появились в качестве иллюстраций к рассказам. Поскольку грамотность в среде горожан была широко

распространена, недорогие книги, изданные в технике ксилографии, пользовались постоянным спросом. В Эдо существовали публичные библиотеки, где за небольшую плату можно было воспользоваться любым изданием. Самостоятельным видом искусства гравюра стала в первой половине XVII века, когда изображения начали поступать в продажу отдельными листами. Подавляющее большинство печатной графики издавали в Восточной столице. Гравюры покупали для удовольствия, на память или как сувенир, чтобы отвезти в провинцию. До 1754 года печать оставалась монохромной, лишь иногда рисунок подкрашивали «от руки». Постепенно к ключевому блоку, с которого делали оттиск контурного рисунка, стали добавлять доски для печати цветными красками, что привело к возникновению полноценной полихромной гравюры нисики-э («парчовые картины»). Основными жанрами в гравюре были «изображения красавиц» (бидзинга) и «изображения актеров» (якуся-э), служившие рекламой знаменитым куртизанкам и новым постановкам театра кабуки. С конца XVIII века к ним добавились пейзажи и «изображения воинов» (муся-э). Каждому из жанров на выставке отведен отдельный зал.

Среди произведений прикладного искусства на экспозиции будут представлены доспех, мечи и элементы оправы мечей; часы, письменные принадлежности, утварь для пикника и застолий; предметы, использовавшиеся при проведении чайной церемонии, маски театра но и кёгэн; миниатюрные скульптуры-противовесы нэцкэ, лаковые гребни и шпильки для женских причесок. Внимательное изучение гравюр позволит обнаружить подобные вещи в изображениях.

Куратор выставки Анна Васильевна Савельева, зав. сектором Отдела Востока, хранитель коллекции японского искусства.

Авторы каталога – научные сотрудники Отдела Востока и Отдела «Арсенал» Государственного Эрмитажа А. В. Савельева, Т. Б. Арапова, А. М. Боголюбов, Вс. Н. Образцов.


Образы природы в произведениях Императорского фарфорового завода XVIII – XXI веков

Приглашаем посетить новую экспозицию «Образы природы в произведениях Императорского фарфорового завода XVIII – XXI веков».

Выставка организована Государственным Эрмитажем при участии АО «Императорский фарфоровый завод» и будет открыта

с 15 августа по 10 декабря 2020 года.

Четыре раздела экспозиции: «Следуя академическим урокам», «Природная стихия модерна», «Натура в фарфоре ленинградского периода», «Подсказано природой» рассказывают зрителю о том, как складывался и изменялся художественный образ природы в искусстве фарфора. В составе выставки более 200 произведений, созданных на Императорском фарфоровом заводе с момента его основания в 1744 году до наших дней.

Фарфор как художественное явление в XVIII – XIX веках развивался в рамках стилей «большого искусства» ‒ архитектуры, живописи, скульптуры. В XVIII веке важными источниками для декорирования предметов являлись гравюры, иллюстрировавшие энциклопедии, издававшиеся в это время. Среди них особое место занимали листы известного французского художника, натуралиста-орнитолога Ф.-Н. Мартине. Именно они были использованы для создания росписей на предметах из Собственного десертного сервиза императрицы Елизаветы Петровны (1750-1760 гг.). Фарфоровые тарелки с ажурными бортами, чайник с крышкой, бутылочная передача, кашпо, ваза изображением птиц являются самыми ранними экспонатами, представленными на выставке.

К времени правления Екатерины Великой относится сервизный ансамбль стиля рококо – Охотничий сервиз, заказанный на Мейсенской фарфоровой мануфактуре в декабре 1766 года императрицей Екатериной II и подаренный графу Г. Г. Орлову. Каждый предмет украшен сценами охоты или же изображениями диких животных на фоне романтического пейзажа.

Особым характером отличались работы французского художника Ж.-Ф. Свебаха, приглашенного в конце 1815 года в Россию на Императорский фарфоровый завод. Для декорирования предметов он использовал сюжеты собственного сочинения, как правило, пейзажного характера, что наделяло их свободой воображения, ощущением легкости рисунка и мазка. На выставке демонстрируются парные вазы «Охота» (1815–1820) Ж.-Ф. Свебаха с фигурами охотников, располагающихся на отдых или продолжающих верховую прогулку.

Развитие пейзажной живописи в правление императора Николая I шло исключительно по пути копирования картин на фарфоровые пласты и вазы. На выставке можно увидеть парадную фарфоровую вазу с росписью «Болото» (1828), исполненную по одноименной картине Якоба ван Рейсдала (1660-е); фарфоровые пласты: «Ферма» (1847) по живописному оригиналу Паулюса Поттера (1649), «Опушка леса (Бегство в Египет)» (1847) по живописному оригиналу Яна Брейгеля Старшего (1610). Характерным примером стиля «нового рококо» служит Ваза с лепным декором и фигурами птиц, созданная мастерами Императорского фарфорового завода в 1840–1850-е годы.

К 1860-м годам относятся экспонаты из скульптурной серии, известной по документам как «Коллекция известнейших животных», для ее создания мастера завода вновь обратились к научным атласам и энциклопедиям. Фигуры исполнены в масштабе 1:30, их можно рассматривать как своеобразный атлас животного мира в формате 3-D.

Эпоха модерна занимает совершенно особое место в истории фарфора. На рубеже XIX – XX веков стиль модерн в значительной степени перевернул иерархию видов искусства, положив в основу своего языка декоративную линию орнамента.

Ко времени правления императора Александра III относится освоение на Императорском фарфоровом заводе новых видов декорирования – цветные глазури и подглазурная живопись. По инициативе руководства Императорских заводов в первой половине 1890-х годов в Россию были приглашены художники знаменитой новыми технологиями Копенгагенской королевской фарфоровой мануфактуры – К. Ф. Лиисберг и К.Л. Мортенсен, специализировавшиеся на пейзажной живописи. На выставке представлены первые произведения, исполненные в 1892 году «по датскому способу» ‒ Ваза с изображением камышей, цапли и бабочки; Ваза с изображением попугая; Блюдо с изображением аиста. Почти на два десятилетия подглазурная живопись на фарфоре стала важнейшей для Императорских заводов. Образы природы – пейзаж, флора и фауна – стали основными сюжетами для декорирования фарфоровых изделий. В 1900-е годы руководитель скульптурного отделения Императорских заводов художник-скульптор Август Тимус (1865-1943) работал над созданием необычных растительных и зооморфных форм для ваз, в частности вазы «Аисты» (1903), тулово которой состоит из трех прижавшихся друг к другу птиц.

После революции 1917 года лирика пейзажа уходит на второй план. Время монументальных строек вызвало появление производственных пейзажей, а образы живой природы ярче всего проявились в сказочной трактовке, как, например, в фигурах шахмат «Звери Севера и Юга» (скульптор З.О. Кульбах) или росписи вазы «Морское дно» (автор росписи В.П. Фрезе).

В 1930-е годы на заводе работают талантливые скульпторы, проявлявшие особый интерес к анималистической теме – И.И. Ризнич (1908-1999), В.И. Блохин (1916–1972), Б.Я. Воробьев (1911-1990).

Во второй половине 1940-х годов завод исполнял фигуры по моделям выдающегося скульптора-анималиста В. А. Ватагина (1883-1969) (скульптуры «Кречет», «Заяц»).

Преданность любимому анималистическому жанру ‒ характерная черта, отличающая творчество знаменитых мастеров Ленинградского фарфорового завода XX столетия, – Ивана Ризнича (1908-1999) и Бориса Воробьева (1911-1990). В экспозиции представлены, в числе прочих, знаменитые работы Б.Я. Воробьева – «Тигр лежащий» и «Пантера» («Ярость»).

На выставке можно увидеть подглазурные пейзажи Виктора Жбанова (1920-1988) ‒вазы «Стройные березы» (1978), «Зимнее утро» (1985), блюдо «Времена года. Ранняя весна» (1982), а также произведения одного из ведущих скульпторов-анималистов ленинградского завода второй половины XX века Павла Веселова (1926–1994).

Пейзаж и анималистика остаются излюбленными темами художников и скульпторов. На выставке во всем многообразии представлены работы современных мастеров русского фарфора: Нелли Петровой, Татьяны Афанасьевой, Галины Шуляк, Галины Белаш, Нины Троицкой, Анны Трофимовой и других.

Экспозицию дополняют рисунки и эскизы к фарфоровым произведениям.

Куратор выставки Ольга Борисовна Богданова, старший научный сотрудник Отдела Музей Императорского фарфорового завода Государственного Эрмитажа (Заведующая Отделом Анна Владимировна Иванова).

К выставке выпущен научный иллюстрированный каталог «Образы природы в произведениях Императорского фарфорового завода XVIII – XXI веков» (Издательство «Славия», 2020). Авторы статей каталога научные сотрудники Государственного Эрмитажа: О.Б. Баранова («Следуя урокам академической школы», «Природная стихия модерна», «Натура в фарфоре Ленинградского периода»), И.К. Майстренко («Подсказано природой»).

 

 


От неоклассицизма до импрессионизма. Французская живопись и скульптура XIX века из собрания Эрмитажа

С 12 октября 2019 года начинает работу выставка «От неоклассицизма до импрессионизма. Французская живопись и скульптура XIX века из собрания Эрмитажа». Экспозиция представляет собой многогранное повествование об эрмитажной коллекции французской живописи и скульптуры.

Французская живопись первой половины и середины XIX века – одна из интереснейших коллекций Эрмитажа. Она охватывает период от неоклассицизма школы Жака-Луи Давида, возникшего в конце XVIII века, до салонно-академической живописи второй полови­ны XIX века, которая существовала параллельно с импрессионизмом. В настоящее время собрание Эрмитажа насчитывает пятьсот картин, тридцать восемь из которых будут экспонироваться в Выборге. Вместе с ними представлены тридцать шесть произведений из бронзы, мрамора и терракоты: они дают возможность оценить многообразие коллекции Эрмитажа и знакомят с основными стилями, течениями и жанрами французской скульптуры XIX века.

Выставка познакомит зрителей с собирательской деятельностью русских императоров XIX века, в частности императора Александра I. В каталоге его коллекции фигурировали помимо прочих такие мастера, как Дроллинг, Тоне, Де Марн, и их работы представлены на экспозиции в центре «Эрмитаж-Выборг».

Выставочное пространство включает в себя четыре тематических раздела, которые объединяют живописные и скульптурные произведения. Экспозиционная логика движется от эпохи Просвещения ко второй половине XIX века. Выставка отличается разнообразием представленных жанров и направлений. Зрители увидят живописные и скульптурные портреты, работы в анималистическом и бытовом жанре, пейзажи и исторические сцены и смогут пронаблюдать, как эти сюжеты преломляются в эпоху неоклассицизма, романтизма, реализма и импрессионизма.

Самые ранние произведения, которые демонстрируются на выставке, – это картины, созданные в век Просвещения и во время французской революции 1789 – 1799 гг. К ним относятся портреты просветителей, знаменитого философа Жан-Жака Руссо и выдающегося учёного, натуралиста и естествоиспытателя, графа Жоржа Луи Леклерка Бюффона. Обе картины были созданы в 1790 г. в мастерской великого живописца Жака-Луи Давида.

Возможно, именно Давид изображен на картине «Аллегория французской революции» (около 1795 г.), экспонирующейся на данной выставке. Но бесспорно, что на полотне «Аллегория», приписываемом Никола-Антуану Тоне, представлены Марат и Робеспьер, известные персонажи эпохи французской революции. Хотя картина была создана в иносказательной форме, в ней художнику удалось выразить явное осуждение кровавого террора, проводимого Маратом, Робеспьером и их соратниками.

Революционные и военные сюжеты сменяются романтическими. Значительную часть этого раздела составляют полотна, созданные по мотивам произведений Самюэля Ричардсона, Мэттью Грегори Льюиса и Вальтера Скотта. Для французской живописи эпохи романтизма свойственен интерес к английской литературе, особенно к романам последнего. Представленное на выставке произведение Ари Шеффера «Оплакивание молодого рыбака» (по роману Вальтера Скотта «Антиквар») выставлялось в Салоне 1824 года, в котором были представлены многие полотна, важные для живописи периода романтизма. Литературная тематика отражается и в скульптурных портретах английских поэтов Уильяма Шекспира и Джона Мильтона работы Альбера-Эрнеста Каррье-Беллеза.

Сосуществование скульптуры и живописи особенно ярко проявляется разделе, посвящённом искусству второй половины XIX века. Реалистические и импрессионистские полотна, в том числе две картины Пьера Огюста Ренуара соседствуют со скульптурами Огюста Родена. Творчество прославленного скульптора невозможно вместить в рамки какого-либо одного стиля или направления – реализма, импрессионизма, экспрессионизма. Оно завершает XIX век и открывает новые горизонты искусства последующего времени.

К выставке выпущен научный иллюстрированный каталог «От неоклассицизма до импрессионизма. Французская живопись и скульптура XIX века из собрания Эрмитажа», который можно приобрести в киоске выставочного центра.

Кураторы выставки и авторы вступительной статьи к каталогу:  кандидат искусствоведения, ведущий научный сотрудник Отдела западноевропейского изобразительного искусства Александр Алексеевич Бабин,  кандидат искусствоведения, старший научный сотрудник Отдела западноевропейского изобразительного искусства Елена Ивановна Карчёва.

Выставка будет открыта для посетителей с 12 октября 2019 г. по 30 июля 2020 г. 


Санкт-Петербург. Образы города

Выставочный центр "Эрмитаж-Выборг" представляет новую выставку "Санкт-Петербург. Образы города" из собрания Государственного Эрмитажа.

Архитектурный ландшафт Санкт-Петербурга формировался благодаря жесткой градостроительной дисциплине. С первых лет существования она закреплялась многочисленными императорскими указами и распоряжениями. На их основе учреждения, занимавшиеся строительно-архитектурной деятельностью, определяли планировку кварталов, расположение домов вдоль улиц по "красным линиям и в один горизонт", прием застройки "единой фасадой". Особое внимание градостроителей уделялось силуэту Петербурга, тщательно продумывались высотные нормы, соотношение рядовой застройки и доминантных сооружений города. Редкие вертикальные элементы: шпили Петропавловского собора, Адмиралтейства, Михайловского замка, купола и колокольни церквей возвышаются над общей линией, не разрушая, а подчеркивая общую картину создавая идеальную «Небесную линию города на Неве». 

С первых лет своего существования Санкт-Петербурга его образ в целом или отдельных крупных его частей стал предметом тщательного изучения и отражения. Одновременно со строительством города формировалась его обширная иконография, фиксировавшая не только внешний облик как наглядную данность, но и восприятие его в динамическом развитии как явления культуры. Одним из самых ярких и всеобъемлющих типов изображения Санкт-Петербурга становится жанр архитектурной панорамы.

Именно панорама, в ее современном понимании, создает тот художественный образ, в котором в целое сливаются берега полноводной Невы, закованные в строгие гранитные набережные, прямые, как стрела, проспекты, стремящиеся к широким площадям с монументальными памятниками, величественные здания, возведенные по проектам талантливых архитекторов, зелень садов. Многочисленные каналы, живописные острова — все то, что придает Санкт-Петербургу его  неповторимое своеобразие и очарование.

На выставке представлены: масштабная ведута "Панорама Петербурга" А.Ф. Зубова, «знатнейшие проспекты» М.И. Махаева, живописные полотна и графические листы Б. Патерсена и А.Е. Мартынова, круговые панорамы Дж. Аткинсона, И.Ф. Тилькера, вид города, сделанный Г.Г. Чернецовым с лесов Александровской колонны и панорама Дж. Бернардацци с колокольни Петропавловского собора. Знаменитая «Панорама Невского проспекта» В.С. Садовникова и «Екатерингофское гулянье» К. Гампельна разворачивают перед нами этапы становления и развития города.

Для показа отобран 241 предмет, среди которых виды известных зданий, выполненные художниками различных эпох, зарисовки городских типов, модели памятников (модель конной статуи для памятника императору Николаю I на Исаакиевской площади в Санкт-Петербурге, скульптор – Пётр Карлович Клодт фон Юргенсбург). На выставке представлены костюмы русских и европейских мастеров, памятные знаки и книги, посвященные Петербургу. Они дополняют образ города и погружают в путешествие во времени, объединяя в единое целое уникальный ландшафт города, запечатленные с максимальной достоверностью изменения городской застройки, повседневной и парадной жизни горожан.

К выставке выпущен научный иллюстрированный каталог «Санкт-Петербург. Образы города».

Куратор выставки и автор вступительной статьи к каталогу: Виктор Велло-Освальдович Лоога, научный сотрудник Отдела истории русской культуры Государственного Эрмитажа.  

Выставка будет открыта для посетителей с 26 октября 2018 г. по 12 апреля 2019 г. 

        

 


"Портретная живовопись в России VXIII - начала XX века"

Выставочный центр «Эрмитаж-Выборг» открывает новую выставку «Портретная живопись в России XVIII- начала XX века» из собрания Государственного Эрмитажа. 

На выставке в Выборге из 75 представленных живописных полотен, впервые экспонируются 36 картин, отреставрированных за последние десять лет и некоторые из них – с новыми результатами исследования. Отбор картин на выставку был обусловлен не только желанием показать новые атрибуции и отреставрированные в последние годы картины, но и необходимостью напомнить о замечательных произведениях, ставших уже визитной карточкой Эрмитажа. Известные полотна, помещенные среди впервые выставленных и неизвестных ранее, приобретают новую жизнь.

 Выставка будет открыта для посетителей с 29 апреля по 11 октября 2018 г.


Выставка "Фламандское искусство XVII века"

Фламандское искусство XVII века

На выставке, посвященной фламандскому искусству, представлены картины, скульптуры, изделия прикладного искусства и художественное оружие. Главным центром фламандского искусства  в XVII столетии являлся Антверпен.  Здесь жил Рубенс – «Апеллес нашего века», как его величали современники, мастер, чьё имя стало синонимом фламандского искусства XVII века. Творчество Рубенса наложило отпечаток на всю художественную культуру Фландрии XVII века. Хотя сам художник работал главным образом как  живописец, в орбиту его влияния были втянуты почти все виды изобразительных искусств – репродукционная гравюра, эстамп, искусство оформления книги, скульптура, различные отрасли художественного ремесла и даже архитектура. Эти виды художественной деятельности отчасти сосредоточились и в его антверпенской мастерской, превратившейся, по справедливому отзыву современника, в «своеобразную академию, где можно было достичь вершин искусства». Не случайно из мастерской Рубенса вышли или были с нею так или иначе связаны все крупные живописцы, а также многие известные граверы, скульпторы и мастера прикладного искусства Фландрии XVII века.  

Рубенс представлен на  выставке небольшой «кабинетной» картиной – «Уход Агари из дома Авраама». «Кабинетными» в XVII веке фламандцы именовали картины небольшого и среднего размера, создаваемые, в отличие от монументальных произведений, не для конкретного помещения и места, а, большей частью, для открытого рынка и служившие украшением «кабинетов».   Так называли в те времена  частные коллекции всевозможных редкостей, раритетов, диковинных вещей – от самых причудливых и необычных созданий  природы до дорогих изделий художественного ремесла и произведений изобразительного искусства.  Подобные «кабинеты», или, как их еще называли, «кунсткамеры», явились прообразами будущих картинных галерей в странах Западной Европы. В    XVII столетия  особенно много таких «кунсткамер» было  в Антверпене, где, по словам Рубенса, жило «великое множество» любителей живописи.

Преимущественно «кабинетные» картины и представлены на выставке. Антиверпенские живописцы, специализировавшиеся в области крупнофигурной сюжетной композиции (а к ним, в первую очередь,  принадлежал Рубенс и  художники из  его окружения, а также фламандские последователи Караваджо), нередко писали картины «кабинетного» формата, исполненные маслом на дереве или меди, реже на холсте (в первой половине XVII  века). Наиболее известные, крупные, мастера обращались к «кабинетной» живописи тем охотнее, чем больше появлялось среди заказчиков подлинных любителей-знатоков искусства, ценивших в картине не столько занимательность сюжета, сколько индивидуальность живописной манеры художника и виртуозность исполнения.

Кроме «Ухода Агари» Рубенса, другим превосходным образцом «кабинетной» живописи и одним из бесспорных шедевров выставки является   «Апостол Пётр», ранняя работа Антониса Ван Дейка, исполненная молодым художником, вероятно, в самом начале его пребывания в мастерской Рубенса, который  считал юного живописца «лучшим своим учеником». 

Жанровый диапазон «кабинетной живописи был велик. «Кабинеты» коллекционеров украшали картины на библейские, евангельские, аллегорические, мифологические и жанровые сюжеты, а также пейзажи, портреты, анималистические картины и натюрморты. В состав выставки включены образцы всех перечисленных жанров живописи. Нет только портретов. Правда, «Апостол Петр» Ван Дейка представляет собой изображение конкретного лица – Абрахама Графеуса, служителя антверпенской гильдии св. Луки,  который позировал многим антверпенским художникам.

В Антверпене XVII  века работало немало художников, посвятивших себя исключительно области «кабинетной» живописи. Они писали обычно яркие по краскам картины, с мелкими фигурами, имеющие «кабинетный» формат, и  работали как по заказам любителей искусства, так и для открытого рынка. Среди  мастеров «кабинетной» живописи на настоящей выставке  представлены: Луис де Колери , Франс Франкен II, Иероним Янсенс, Давид Рейкарт III,  Даниель Сегерс, Ян Брейгель Старший  и его внук Ян ван Кессель Старший, наконец, Давид Тенирс Младший.  Из всех названных живописцев только двое – Ян Брейгель Старший и Давид Тенирс Младший   –  снискали международную известность при жизни.

Ян Брейгель Старший был прирожденным мастером «кабинетной» живописи  по удивлявшему современников и граничащему с чудом мастерству передачи мельчайших деталей изображаемых предметов. Его картины воистину были подобны драгоценным ювелирным вещам.  Младший сын гениального Питера Брейгеля Мужицкого (1525/30—1569), Ян вошел в историю искусства под прозвищем «Бархатный», ставшим своеобразной оценкой его живописи.  Данное Яну за его пристрастие к ношению дорогой одежды, это прозвище закрепилось за художником еще и по причине особых свойств его живописи. Ведь только его картинам свойственно  ощущение нежной «бархатистости» живописной поверхности, которой Ян добивался виртуозным соединением разнообразных, тонко сопоставленных, звучных тонов в сияющую красочную гармонию. Брейгель Бархатный поражал  современников  широтой тематики своего искусства.  А, за исключением портретного, Брейгель работал во всех жанрах  «кабинетной» живописи. Данная выставка позволяет увидеть один из лучших его пейзажей, подлинный шедевр  «кабинетного» искусства – «Лесной пейзаж со сценой Отдыха Святого  Семейства на пути в Египет».

В историю живописи Ян Брейгель вошел и как Брейгель Цветочный. Именно он явился зачинателем цветочного натюрморта во фламандской живописи XVII  века, и во многом именно благодаря его искусству эта поэтическая разновидность натюрморта достигла в XVII  веке значительных высот и популярности. На выставке эта разновидность натюрморта представлена работой ученика Брейгеля Бархатного,  Даниеля Сегерса, одного из ведущих мастеров цветочного жанра.  «Гирлянда цветов вокруг  изображений  Младенцев Христа и Иоанна» была исполнена Сегарсом в сотрудничестве с живописцем фигур Томасом Виллебойртсом Боссхартом. А практика одновременного сотрудничества нескольких художников разных специальностей в исполнении одного произведения, пожалуй,  не была свойственна ни одной другой живописной школе   XVII  века в такой мере, как фламандской.  Рубенс, например, создавая свои картины, прибегал к помощи не только непосредственных учеников и подмастерьев, но и разного рода специалистов-сотрудников, являвшихся вполне самостоятельными художниками. На данной выставке представлены работы двух таких художников, сотрудничавших с Рубенсом,  –  Яна Брейгеля Бархатного  и Яна Вильденса. Правда, если Брейгель Бархатный был представителем исключительно  «кабинетной» живописи, то Ян Вильденс был мастером большого декоративного пейзажа. Декоративный пейзаж во фламандской живописи  XVII  века вообще получил преимущественное развитие. Особенно славились художники брюссельской школы, развивавшие жанр лесного пейзажа, видным мастером которого был Лодевейк де Ваддер.

Представлен на выставке и образец раннего пейзажа, еще тесно связанного с традициями искусства предшествующего века,   –   картина «Морской порт»  Пауля Бриля, художника, работавшего на рубеже эпох, XVI и XVII столетий, одного из крупных европейских пейзажистов, творческое наследие которого принадлежит в равной степени фламандской и итальянской школам живописи, поскольку молодым человеком он покинул родной Антверпен и обосновался в Риме, где оставался до конца своих дней.


Выставка "Птицы богов Олимпа"

«Птицы богов Олимпа. Прикладное искусство  ХVI – ХIХ вв. из собрания Эрмитажа»

     Представленная вниманию зрителей выставка демонстрирует памятники прикладного искусства из собрания Эрмитажа, объединенных  идеей воплощения  сюжетов, связанных с птицами и богами Олимпа. Орел, павлин, голубь, лебедь, сова и петух сопровождают Юпитера, Юнону, Венеру, Аполлона, Меркурия и Марса. Орел  Юпитера олицетворял силу и власть, павлин Юноны – величие и царственность. Мудрая сова  была посвящена Минерве. Воинственный петух  сопровождал бога войны Марса. Лебеди и голуби, воплощающие красоту и любовь, были связаны с Венерой и Аполлоном.  Птицы выступают в разных ролях: как основной атрибут богов или даже воплощение самого бога (Юпитер), как  их вестник и просто, как декоративный мотив, полюбившийся мастерам художественного ремесла или заказчикам, но имеющий символический смысл в своем изображении.

     На протяжении веков интерес к теме менялся в зависимости от идеалов времени: в ХУП в. и Х1Х в. больше были востребованы сюжеты, связанные с апофеозами, где орел выступал вестником победы, прославления силы и власти. В ХУШ в. отдавали предпочтение теме любви, которая воплощалась в изображении лебедя и голубя. В эпоху Возрождения  птиц богов Олимпа можно было увидеть в глиптике, эмалях, ювелирных изделиях, майолике, художественном текстиле. В ХVII в., в период барокко, «зазвучали» серебро, слоновая кость, шпалеры, вышивки. В ХVIII столетии, эпоху рококо и классицизма присоединились новые материалы: фарфор, кружево. А ХIХ век во времена ампира помимо всех перечисленных «добавил» бронзу и мебель.

     Европейские мастера прикладного искусства для своего вдохновения обращались к разнообразным источникам. Это были живопись  и гравюры, коллекции антиков (резных камней, монет, мелкой пластики) и произведения художников-орнаменталистов, наследие античных авторов ( «Метаморфозы» Овидия,  Гесиода «Происхождение богов» («Теогония»), Геродота и других, а также сочинения писателей эпохи Ренессанса Виченце Картари и Чезаре Рипа. Опираясь на такое богатое наследие прошлого, особенно в области иконографии, художники создавали разные версии композиций со священными птицами. С одной стороны, они, продолжая традицию, использовали устоявшиеся еще с античности композиционные схемы. С другой стороны, мастера, проявляя свою фантазию и учитывая веяния времени, предлагали новые варианты в трактовке сюжетов. Они были свойственны больше  европейской манере,  отвечали запросам эпохи, удачно вписываясь в ее стилистические рамки. Мастера прикладного искусства любили также  использовать изображения   птиц как декоративный мотив. Помимо создания образа священных птиц их привлекала возможность выявить и подчеркнуть характерные особенности того или другого материала. Полированная поверхность металла давала блеск, перламутр – радужное сияние, драгоценные камни искрились, шелковые нити создавали  переливы на поверхности ткани, фарфор отличался белизной глазури или яркостью полихромной росписи.

     На выставке можно увидеть часы и канделябры, предметы из сервизов и настольных украшений, шпалеры, мебель и обивки, веера и   табакерки, записные книжки, броши, флакончики для духов. Анонимные произведения  соседствуют с выполненными известными мастерами (бронза работы П. Томира, фарфор по моделям А. Кендлера). Представлены знаменитые центры производства фарфора (Мейсен, Севр), эмалей (Лимож), изделий из серебра (Нюрнберг и Аугсбург), шпалер (Гобеленовая мануфактура, Париж), кружев ( Аржантан). Некоторые из экспонатов выставки связаны с именами царственных особ: серебряное блюдо, принадлежавшее Петру 1, предметы, которые входили в знаменитый сервиз с камеями Екатерины II, тросточка императрицы, шпалера с портретом Александра I, подаренная русскому императору, серебряная подставка  из сервиза, подаренная внучке Павла 1 к свадьбе. Представленные на выставке экспонаты имеют разные источники поступления в Эрмитаж. Серебро и фарфор - из Зимнего дворца, куда они попали  как подарки русским императорам и членам семьи или как заказы. Изделия ювелирного искусства - из Галереи драгоценностей Эрмитажа. Некоторые произведения происходят из собраний петербургской знати: Строгоновых, Юсуповых, Шереметевых,  Шуваловых, Нарышкиных.  Значительная часть вещей поступила из коллекций русских собирателей, которые, начиная с ХIХ в. целенаправленно собирали памятники прикладного искусства (А. П. Базилевский, М. П. Боткин, А. К. Рудановский и др.). много предметов пополнило коллекции Эрмитажа после 1917 г. Они пришли  из бывшего музея барона Штиглица в Петербурге, предназначенного  начиная с 1880-х гг. для обучения будущих дизайнеров.

     Все произведения отличаются высоким художественным вкусом, прекрасным мастерством исполнения, разнообразием и фантазией в трактовке  священных птиц. Многие из птиц пронесли свою символику сквозь века до нашего времени. 2017 год совпал с  годом  петуха, птицы бога Марса. Тем более интересно, что именно в этот год Эрмитаж может предложить зрителям выставку, связанную с птицами богов Олимпа.

Посмотреть виртуальный тур по выставке «Птицы богов Олимпа. Прикладное искусство  ХVI – ХIХ вв. из собрания Эрмитажа»


«России слава незабвенна… Отечественная война 1812 года»

Гроза двенадцатого года

Настала — кто тут нам помог?

Остервенение народа,

Барклай, зима иль русский бог?


Но бог помог — стал ропот ниже,

И скоро силою вещей

Мы очутилися в Париже,

А русский царь главой царей.

А.С. Пушкин «Евгений Онегин» 10 глава.

 

Выставка «России слава незабвенна… Отечественная война 1812 года».

 

Отечественная война 1812 года – одно из ключевых событий в истории России. Память о победе над Наполеоном чрезвычайно широко и многообразно отражена в русской литературе, в изобразительном и декоративно-прикладном искусстве, в архитектуре. Для русской культуры XIX столетия эта тема является, бесспорно, одной из главных. Воинские подвиги на полях сражений, образы героев великого прошлого, память о павших стали основными направлениями в развитии национально-патриотической идеи.

Государственный Эрмитаж тесно связан с событиями 200-летней давности. Память о них воплощена не только в архитектуре Дворцовой площади, где Триумфальная арка Карло Росси перекликается с Александровской колонной Монферрана, но и продолжается в залах Зимнего дворца. В архитектурном убранстве Александровского, Пикетного, Гербового, Фельдмаршальского и других залов музея воплощена идея прославления русского оружия, прославившего себя на полях сражений с Наполеоновской армии. Особое место здесь принадлежит Военной галерее. 332 портрета военачальников русской армии, а так же портреты союзных монархов и полководцев, возглавлявших войска антинаполеоновской коалиции, превратили ее в подлинный Пантеон славы героев кампании 1812-1814 годов.

Одна из самых славных страниц российской истории нашла свое отражение в многочисленных произведениях изобразительного и прикладного искусства, созданных как современниками, так и художниками более позднего времени и хранящихся в фондах Государственного Эрмитажа. На их основе и разворачивается рассказ о событиях начала XIX века. Более 200 экспонатов, в числе которых живописные произведения, рисунки и гравюры, а также вещественные памятники войны: наградные медали, ордена, предметы обмундирования и снаряжения русских войск, холодное и огнестрельное оружие, мемориальные предметы объединены в комплексная историческую экспозицию. Выставка рассказывает не только непосредственно о событиях Отечественной войны, в нее включены материалы, которые охватывают период от битвы при Аустерлице в 1805 г. до взятия Парижа в мае 1814 года. Отдельный раздел выставке посвящен сохранению памяти событий 1812 года в русской истории и культуре


Выставка "Пять символов счастья: благопожелания в китайском искусстве".

Выставка "Пять символов счастья: благопожелания в китайском искусстве"

1 апреля - 1 октября 2016 года

На выставки представлены 240 экспонатов из коллекций Отдела Востока Государственного Эрмитажа, большая часть из которых будет показана впервые. 

Выставка раскрывает удивительный символический образный язык Поднебесной. Все мотивы и изображения на предметах и графических работах носят благопожелательный характер и призваны привлечь в жизнь человека главные составляющие счастья. Гарантом его достижения служит приобретение пяти благословений – долголетия, богатства, успехов в карьере, рождения сыновей и мира.

Хронологически все предметы выполнены в период династии Цин (1644-1911) и первой половине XX века. Спектр материалов, представленных на выставке, разнообразен: благопожелательная символика проиллюстрирована на примере изделий из фарфора, метала, дерева, лака, кости, шелка и предметов, выполненных в технике перегородчатой и расписной эмали. 

В экспозицию вошли 70 образцов новогодней картины (няньхуа), из коллекции академика В.М.Алексеева, одной из лучших в мире. Яркие красочные картинки, напечатанные на бумаге в технике ксилографии, вывешивались в преддверии Нового Года в жилищах небогатых китайцев. Их содержание и надписи сулили исполнение пожеланий и счастье. 

Культура Китая отличается своей непрерывностью и традиционностью; система символов и образов складывалась в древности, и сохранилась практически до наших дней. Ко времени династии Цин (1644-1911) многие древние символы, имеющие глубокое многогранное значение, в народной среде приобрели упрощенный, благопожелательный смысл. В таком виде они бытуют и поныне. 

Самый простой способ пожелания счастья, добавивший к ряду китайских символов некоторые популярные мотивы, это непосредственное изображение предмета мечтаний. Например, пожелание рождения здоровых сыновей отражает фигурка или рисунок толстого улыбающегося мальчика.

Часть мотивов возникла благодаря яркому образному мышлению и наблюдательности китайского народа. Так, карп, преодолевающий речные пороги, сравнивается со студентом, стремящимся сдать экзамены для получения должности чиновника.

Один из важнейших способов формирования символического визуального ряда связан с особенностями китайского языка. Речь идет об омонимах – о созвучии в произношении разных иероглифов и понятий, о способе двойного толкования. Например, летучая мышь (фу), произносится так же как «счастье», а сорока (си) – как «радость». Соответственно изображение летучей мыши и сороки, следует воспринимать как пожелания счастья и радости. 
К выставке выпущен иллюстрированный каталог. Куратор выставки – Лидия Викторовна Поточкина, младший научный сотрудник Отдела Востока Государственного Эрмитажа.

Посмотреть виртуальный тур по выставке "Пять символов счастья: благопожелания в китайском искусстве"


В соответствии с пунктом 1.35 Плана мероприятий Федерального проекта «Информационная безопасность» национальной программы «Цифровая экономика Российской Федерации» Министерство труда и социальной защиты Российской Федерации проводит опрос организаций для потребления потребности в кадрах в области информационной безопасности. Приглашаем заинтересованные организации принять участие в опросе и заполнить онлайн-анкету, размещенную в сети «Интернет» по адресу: https://itsecurity2020.vcot.info/

АНКЕТА по оценке качества оказания услуг        Независимая оценка качества оказания услуг организациями социальной сферы на сайте bus.gov.ru